Né au XII? siècle sur les champs de bataille, l'art des armoiries a eu pour fonction première de permettre l'identification des chevaliers rendus méconnaissables par leur casque et leur armure. L'idée répandue selon laquelle les armoiries sont le monopole de la noblesse naît de ce jour. Or, dès le XIII? siècle, tout le monde peut porter des armoiries, qu'il soit noble ou roturier, pourvu que soit respecté le code du blason. Un code fonctionnel, issu lui aussi de la nécessité d'identifier de loin le porteur des armoiries : des couleurs vives, des symboles parlants, une forte signalisation. Michel Pastoureau, historien des emblèmes et des couleurs, s'attache à nous montrer comment leur usage s'est universellement répandu au fil du temps, jusqu'à imprégner la signalisation routière, les drapeaux, les logos et tous les grands codes de la société contemporaine. Lire la suite Fermer

Érigée au Moyen Âge sur l'Île de la Cité, Notre-Dame de Paris est intimement liée à l'histoire de France. Présence sacrée, monument de l'Art gothique, emblème du pouvoir tout au long de son histoire, creuset de l'imaginaire populaire, la cathédrale Notre-Dame de Paris, point zéro des distances kilométriques, est un centre névralgique de la France. Le 15 avril 2019 l'incendie de la flèche de Viollet-le-Duc provoque une émotion considérable dans le monde entier, qui rappelle brutalement que ce patrimoine appartient à un héritage commun. Grâce aux savoir-faire ancestraux comme aux techniques les plus modernes, la restauration de Notre-Dame de Paris renouvelle l'intérêt porté à son architecture et à l'histoire qui nous lie à ce monument vivant, le plus visité au monde. Lire la suite Fermer

«Il est rare d'assister à la naissance d'un genre littéraire. Plus rare encore de pouvoir la rattacher au nom d'un écrivain particulier. Cette conjonction s'est pourtant opérée dans le cas d'Aloysius Bertrand, inventeur incontestable du poème en prose français. Il y a fallu des circonstances très particulières : une marginalité provinciale redoublée d'une marginalité sociale et économique ; l'éveil à la vie littéraire à une époque où le bric-à-brac médiéval, italien et espagnol du premier romantisme revêtait encore une certaine fraîcheur, à une époque aussi où la relève n'était pas encore achevée des formes périmées du XVIII? siècle à la poésie de l'avenir ; un intérêt exceptionnel pour les arts graphiques et l'ambition de leur emprunter quelques-unes de leurs ressources ; un esprit inquiet, ombrageux, douloureusement perfectionniste ; la connaissance intime d'une ville dans laquelle les rêves et les mythes prenaient corps.» Max Milner. Lire la suite Fermer

Figure centrale du renouveau artistique qui caractérise le début du XX? siècle, Tarsila do Amaral (1886-1973) fait partie des artistes les plus connus et aimés au Brésil. Mêlant les imaginaires indigène, populaire et moderne, elle a créé un oeuvre original, qui a marqué l'univers visuel brésilien jusqu'à nos jours. Dès les années 1920, évoluant entre São Paulo et Paris, Tarsila do Amaral est une passeuse incontournable entre les avant-gardes des deux capitales culturelles en pleine effervescence. Elle inspire, par sa peinture, les mouvements Pau-Brasil et anthropophage, dont la quête d'un Brésil authentique et moderne, multiculturel et multiracial vise à refonder sa relation avec les «centres» européens de la colonisation. La dimension militante de ses peintures des années 1930 et sa capacité à accompagner, jusqu'aux années 1960, les évolutions profondes de son environnement social et urbain confirment la puissance d'un oeuvre toujours ancré dans son temps, qui ne cesse de soulever des questions identitaires et sociétales encore très actuelles, au Brésil comme en Europe. Lire la suite Fermer

Bijoutier avant-gardiste de l'Art Nouveau, René Lalique (1860-1945) se reconnaît par ses créations audacieuses, souvent inspirées de la nature, où se mêlent des matériaux peu usités, émail, nacre, corne, pierres semi-précieuses, verre... D'abord collectionné par une élite, sa notoriété explose lors des Expositions universelles de 1900 et de 1925 à Paris. Le verre devient son matériau de prédilection. Il brevète des techniques et lance la fabrication en grandes séries pour «rendre le beau accessible» au plus grand nombre. Innovant d'abord pour les flaconnages de parfums, René Lalique s'impose dans les Arts de la table et la décoration de style Art Déco. Des commandes spéciales prestigieuses s'ajoutent à ses productions en série, faisant du nom Lalique une marque mondialement connue.

Un baiser à l'Hôtel de Ville, des gamins turbulents, des ouvriers à l'usine, des gens du monde, des anonymes, des portraits de Picasso, de Tati... Robert Doisneau (1912-1994) est surtout connu pour ses photographies gaies, spontanées, poétiques de Paris et de sa banlieue. Mais ses soixante ans de vie de photographe vont bien au-delà, avec près de 500 000 images produites. On a pu qualifier le regard de Robert Doisneau de reportage humaniste, réalisme poétique, humour tendre..., mais au fond, aucune catégorie n'est parvenue à définir la richesse et la diversité de son oeuvre. Une piste cependant : il s'est situé lui-même comme un «pêcheur d'images» par opposition aux photographes «chasseurs». En effet, pour Quentin Bajac, le style de Doisneau, c'est avant tout la recherche d'une certaine simplicité, d'une immédiateté et d'une économie de moyens : une volonté de ne pas se disperser, pour demeurer toujours en alerte, léger, mobile et à l'affût du monde. Lire la suite Fermer

Vandalisme pour les uns, expression digne de figurer dans les musées pour les autres, l'art urbain a toujours été marqué par l'ambivalence. Né dans les années soixante de part et d'autre de l'Atlantique, il hérite aussi bien de la publicité que des avant-gardes politiques. Porté par une poignée d'artistes conceptuels ou frondeurs en rupture avec l'institution et le mar- ché, il s'affirme également comme la quête de reconnaissance des lais- sés-pour-compte. Irrévérencieux, sulfureux voire insurrectionnel, il n'évite pas toujours le mercantilisme ni les sirènes de la commande publique.
Regardé comme un délit lorsqu'il se déploie dans la rue, il est célébré dans les galeries d'art et les musées...
À travers un panorama richement illustré, Stéphanie Lemoine restitue la diversité d'une forme d'expression toujours controversée malgré une histoire de près de cinquante ans, où se mêlent graffitis, oeuvres concep- tuelles, happenings et (contre-) propagandes.
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«Miroir de la folie : chacun s'y reconnaît en voyant son portrait» Sébastien Brant, La Nef des fous, 1494 Dans l'art du Moyen Âge et de la Renaissance, les fous pullulent : silhouettes sautillantes, visages grimaçants au sourire moqueur, ils nous interpellent. Se moquent-ils d'eux-mêmes, de nous ou de l'Autre ? Qu'il s'agisse du fou de cour - simple d'esprit ou infirme issu des campagnes -, des bouffons du roi, des fous burlesques des carnavals, des bateleurs de Hieronymus Bosch... cette figure aux multiples avatars voit son statut évoluer au fil du temps, puis ressurgit au XIX? siècle. Reconnaissable à ses attributs emblématiques - capuchon à oreilles d'âne, crête de coq, grelots, marotte, costume bariolé -, le fou est loin d'incarner la maladie mentale et sa représentation se charge d'une véritable portée symbolique. Mêlant peintures, sculptures et objets d'art, cet ouvrage nous entraîne dans un monde étourdissant, où chacun saura trouver un miroir de lui-même. Lire la suite Fermer

Premier analyste de son oeuvre, Matisse s'est tu, obstinément, sur lui-même. Ses souvenirs, dit-il, ne le représentent pas moralement. Sa biographie s'arrête à la porte de l'atelier. Où le temps s'efface au cadran de la création. Et cède la place aux murs empourprés, à la clarté phosphorescente des tableaux. Mais qu'on y prenne garde. Les grands aplats des rouges et des bleus, les mouvements d'une ligne désancrée et la lumière éblouissante d'une image dessinée à même la couleur, toutes ces inventions, si semblables au bonheur, ne forment pas des lieux idéaux ou sacrés mais les espaces d'un travail ininterrompu. À travers lequel Matisse cherchera toute sa vie l'allègement dans la somptuosité. Xavier Girard nous entraîne dans cet univers dense et clair. Lire la suite Fermer

Pour la première fois est abordée ici la prédilection du peintre impressionniste Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d'hommes, qui dominent son oeuvre. Tout autant qu'à ses cadrages audacieux ou à ses effets de perspective, la grande modernité des chefs-d'oeuvre de l'artiste tient à sa manière originale de dépeindre ses contemporains. Répondant à une ambition «réaliste», il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l'ouvrier urbain, le citadin au balcon, le sportif ou encore l'homme nu à sa toilette. Cette vision est aussi profondément personnelle et autobiographique, Caillebotte ne prenant ses sujets que dans son environnement le plus proche, faisant poser ses frères, ses amis du Cercle de la voile de Paris, les ouvriers travaillant pour sa famille ou les bourgeois croisés dans les rues aux alentours de son domicile. Dans le contexte du triomphe de la virilité militaire, du patriarcat bourgeois ou de la fraternité républicaine, ces images questionnent les normes de genre et les catégories sociales et témoignent d'une interrogation de l'artiste sur sa propre identité. Lire la suite Fermer

Juin 1940.
La France, humiliée et défaite, n'est plus que l'ombre d'elle-même. Pourtant, aussitôt, une poignée d'hommes et de femmes décident de " faire quelque chose Cette phase pionnière est suivie d'une lutte longue et incertaine pour transformer cette volonté de résistance en une action structurée aussi efficace que possible. Rude tâche tant pour la Résistance intérieure que pour la France Libre qui, non sans frictions et désaccords, s'épaulent au fil du temps.
Filières d'évasion, collecte de renseignements, publications clandestines, faux papiers, attentats... graduellement, malgré une répression féroce, la Résistance tisse sa toile. En 1943 et 1944, tout en ne cessant jamais d'être minoritaire, elle s'enracine socialement, gagnant le combat idéologique et politique qu'elle livre à l'occupant et au gouvernement installé à vichy. Laurent Douzou retrace l'histoire, les combats, les souffrances de cette " armée des ombres " qui eut le courage et l'audace de mettre sa morale en action.
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« Il a été, tour à tour, le supplice et l'exaltation de la Volupté, la douleur de la Vie, la terreur de la Mort avec l'Enfer ; la voix de l'Histoire, avec les Bourgeois de Calais ; le fracas de l'Élément avec Victor Hugo ; l'Humanité multiple avec Balzac », s'enthousiasme l'écrivain Octave Mirbeau. En effet, Auguste Rodin ose tout. Sa créativité, ses capacités de travail sont sans limites. Après 1900, la gloire enfin venue, l'artiste voit défiler dans son atelier du Dépôt des marbres, admirateurs et belles admiratrices, disciples et assistants. Souvent considéré comme le dernier sculpteur inscrit dans la tradition occidentale de la représentation du corps, Rodin annonce sans conteste l'art du XXe siècle par son usage de l'accidentel, du fragment et de l'assemblage.
Spécialiste des archives de l'artiste, Hélène Pinet restitue le parcours d'un génie qui sut magnifier l'humain.
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«Photographier, c'est mettre sur la même ligne de mire la tête, l'oeil et le coeur. C'est une façon de vivre», résumait Henri Cartier-Bresson, cofondateur en 1947 de la célèbre agence Magnum, figure mythique de la photographie du XX? siècle. C'est en 1931, après avoir étudié la peinture, fréquenté les surréalistes et entrepris un premier voyage en Afrique, qu'il décide de se consacrer à la photographie. De Mexico à New York, de l'Inde de Gandhi au Cuba de Fidel Castro, de la Chine devenue communiste à l'Union soviétique des années 1950, il ne cessera plus de déambuler à travers le monde, son fidèle Leica rivé à l'oeil. Clément Chéroux nous invite à suivre le tir photographique de cet inlassable promeneur qui, se refusant au sensationnalisme et à tout recadrage de ses tirages, donna ses lettres de noblesse à la photographie de reportage et fit de l'«imaginaire d'après nature» une éthique. Et une esthétique. Lire la suite Fermer

Capitale du Royaume du Cambodge du IXe au XVe siècle, Angkor suscite très tôt des descriptions où l'étonnement le dispute à l'admiration. En 1296, un ambassadeur chinois est impressionné par cette ville «barbare». Aux XVIe et XVIIe siècles, des missionnaires européens y voient l'égale de Rome ou de Babel, tandis qu'un Japonais visitant la Ville croit se trouver en Inde. Peu après 1860, Henri Mouhot - le plus célèbre de ses «découvreurs» et l'un des plus romantiques - la place définitivement sur la carte des merveilles du monde ; c'est alors que débute le dégagement systématique et l'exploration scientifique du site qui, jamais oublié, redevient le palladium d'une nation - refuge en période de crise, étendard sous tous les régimes. Son inscription sur la liste du Patrimoine mondial par l'Unesco en 1992 officialise la valeur que lui avaient donnée depuis longtemps les voyageurs. Historien et archéologue, Bruno Dagens retrace les grandes étapes d'une découverte émerveillée. Lire la suite Fermer

L'Europe de l'an mille est marquée par un formidable renouveau économique, politique et religieux, mais reste fidèle aux traditions carolingienne et antique dans les domaines intellectuel et artistique. C'est entre 1060 et 1200 que cette transformation de la société va entraîner une renaissance de l'activité créatrice et architecturale. Les maîtres d'ouvrage laïcs et religieux conçoivent des programmes inédits et prennent toute la mesure du rôle pédagogique de l'image qui envahit alors tout l'édifice, le mobilier et les objets de culte... et s'inscrit triomphalement au portail. Pour mettre sur pied cette politique destinée à l'ensemble de l'Europe, l'appel à de grands artistes créateurs de formes est une nécessité. Totalement maîtres de leurs techniques, ceux-ci vont y apporter sensibilité et créativité, traduisant le programme des maîtres d'ouvrage avec une diversité exceptionnelle. De Rome à Vézelay, de Spire à Dubrovnik, de Durham à Compostelle, Alain Erlande-Brandenburg présente et analyse le défi de l'Europe romane, symbiose étroite entre les commanditaires et les créateurs. Lire la suite Fermer

«Je sais que ma vie sera un continuel voyage sur une mer incertaine [...]. Nous verrons ce que les six mois qui suivent apporteront, et j'ai confiance [...]» Nicolas de Staël a vingt-deux ans lorsqu'il écrit ces lignes depuis le Maroc, où il séjourne en 1935-1936. Il sait qu'il va vouer sa vie à la peinture, exclusivement. Ce corps à corps passionné avec la matière, avec la couleur et la lumière, il le mènera jusqu'au vertige, jusqu'aux limites de la vie. Une vie jalonnée de belles amitiés, celles des peintres André Lanskoy et Georges Braque, celles des marchands Jeanne Bucher et Jacques Dubourg, celle du poète René Char. Une vie faite d'arrachement, d'orgueil, d'impatience et de ferveur émerveillée, menée dans «la conscience du possible, l'inconscience de l'impossible et le rythme libre». Des Compositions des années 1940 au Parc des Princes, des grands Nus à la magistrale série des paysages de Sicile, des premières expositions parisiennes à la gloire outre Atlantique, Marie du Bouchet retrace la vie de cette personnalité hors du commun, dont l'oeuvre s'inscrit comme un événement unique dans la peinture du XX? siècle. Lire la suite Fermer

«Je voudrais être illustre et inconnu», disait Edgar Degas. Illustre, il l'est, par ses danseuses, ses jockeys, ses femmes au bain. Inconnu, également, tant ces thèmes occultent le reste de l'oeuvre, peintures d'histoire, portraits, paysages, tant l'oeuvre a dévoré la vie privée. Sur une carrière de soixante ans dont Henri Loyrette restitue la richesse et la cohérence, on découvre alors l'insatiable curiosité technique, la constante recherche d'expressions nouvelles, l'évidente continuité de la ligne mélodique.

« Ma peinture porte en elle le message de la douleur. » Frida Kahlo - née en 1907 près de Mexico - a fait très tôt l'apprentissage de la souffrance : poliomyélite à 6 ans ; terrible accident d'autobus à 18 ans qui lui brise la colonne vertébrale... La jeune et indomptable Frida rencontre Diego Rivera, le grand muraliste, dans un Mexique en pleine effervescence politique et culturelle. Ils formeront un couple légendaire, profondément attaché aux cultures populaires indiennes, soudé jusqu'au bout dans la lutte communiste et dans une ambition artistique qui survivra à toutes les épreuves conjugales. Amie de Léon Trotski, admirée des surréalistes, photographiée par les plus grands, Frida a peint essentiellement des autoportraits, dont Les Deux Frida, La Colonne brisée, et aussi de singulières natures mortes. Christina Burrus retrace le destin exceptionnel de cette artiste dont l'oeuvre, mélange de cruauté et d'humour, de candeur et d'insolence, est à l'image de la femme libre, belle et courageuse qui masquait sa souffrance derrière de grands éclats de rire communicatifs.
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Découvertes Gallimard / RMN - Grand Palais

Après quatre décennies d'expérimentation qui ont ouvert le nouvel art de la photographie à tous les registres de la représentation, survient en 1880 une révolution technique : le gélatino-bromure d'argent permet de passer de la photographie posée à la photographie instantanée. Des balbutiements des premiers appareils portables dans les années 1880 à la mythification de « l'instant décisif » de Cartier-Bresson dans les années 1950, Quentin Bajac en explore les grandes tendances. La période voit également les débuts timides de la couleur, l'émergence de la figure de l'amateur et le triomphe du photoreporter. Art de masse par excellence, objet de fascination pour les avant-gardes artistiques et langage universel incontournable, la photographie devient, à l'instar du cinéma, un des principaux emblèmes de la modernité. Lire la suite Fermer

La légende du peintre voyou et maudit qui s'attache au Caravage trouve ses origines dans la vie tumultueuse de cet homme, prompt à dégainer l'épée, jusqu'à l'assassinat qui fera de lui un fugitif. Mais il est également habile courtisan dans la Rome des années 1600, très vite peintre adulé des prélats et des princes. Il est enfin, en contraste avec la Renaissance, finissante et maniériste, le précurseur du réalisme en peinture, premier d'une famille d'artistes qui, même si elle n'a pas été une école, a pris le nom de caravagisme. C'est ce Caravage-là, peintre avant tout, que José Frèches suit dans les ruelles obscures de Rome, de Naples, de Malte ou de Syracuse...

Nouvelle édition en 2009

Nouvelle édition en 2007

Jardins suspendus de Babylone, jardin des Hespérides, regorgeant de fruits et de fontaines, symboles universels de vie et d'espoir : tous les jardins participent de la même quête de l'Eden et soumettent la nature à leurs artifices. Compositions architecturales à Rome ou jardins clos du Moyen Âge, théâtres de l'humanisme à la Renaissance et reflets des monarques du Grand Siècle, peintures de paysages en Angleterre, promenades publiques dans l'Europe entière, espaces verts issus de l'urbanisme contemporain enfin, l'art des jardins est lié aux cultures et aux sociétés qui les imaginent. Gabrielle van Zuylen, chroniqueur mais aussi jardinier, nous invite à entrer dans les plus beaux jardins de notre civilisation.